《满城尽带黄金甲》是改编自《雷雨》，并非莎士比亚戏剧。
冯小刚《夜宴》是改编自《哈姆雷特》，黑泽明的《乱》是改编自《李尔王》。
我们先说黑泽明的《乱》。
戏剧因为是舞台表演，人物的心理活动当然只能用旁白来表达，而电影是镜头语言，能不说话，当然还是不要说的好。
比如同样是表现老三的孝心，原著就是三女儿科迪利娅的旁白， 而电影里面是用了一组镜头来表现。
狩猎时众人看到秀虎睡着了，纷纷退下等他醒来，三郎拔刀砍了两个树枝，默默的插到父亲身后帮他遮挡太阳。这个过程一句台词都没有，但观众能感受到，三郎是真心爱戴他的父亲，这就是镜头语言。
有时候空镜也能传达情绪，比如在秀虎分家之前，周围风平浪静，天空云彩纹丝不动，而秀虎说了分家之后，天空突然风起云涌，预示着即将来临的暴风雨。戏剧不可能有这样的镜头渲染，还得用台词来表达。
原著李尔王在暴风雨之夜，被两个大女儿赶出家门，有一段描写：“他扯着他的白发，让盲目愤怒的暴风，把它们任意披散；在他个人的微观世界之内，正在进行着比风雨的冲突，更为剧烈的斗争。”
电影里面太郎和次郎围攻老父亲后，秀虎从大火中失魂落魄的走到旷野中，也是一句台词都没有，但若是看过原著的人，肯定会自觉地联想到这一段经典台词。
对于电影的镜头语言理解，要是对原著非常的熟悉，必然能获得更多的感悟。反过来也能解释，为什么很多人经常说看不懂某某电影，恐怕就是因为没有读过带有相同情感的文字。每个人亲身经历是有限的，不可能每部电影都能引起情感共鸣，只有多读书才能有效拓宽感知力，别无它法。
黑泽明将日本的战马拍得极其壮美，本片同样有非常值得欣赏的一段。三郎带着部下越过边境，一队骑兵不紧不慢的骑马渡河，水流差不多淹到了马背，各色战马膘肥体壮，马队整齐划一，节奏唯美。三郎一袭青衣，胯下一匹青骢骏马，神气活现。
狂阿弥在荒城里追随秀虎这一段，也是值得回味。原著里的弄人是一个非常重要的角色，电影里就是对应了狂阿弥。弄人们都是表面装疯卖傻，实际心里非常明白，狂阿弥早就知道秀虎必然悲剧，但他地位卑微，能力有限，所做的只有默默地陪伴。
狂阿弥的台词和原著弄人的台词有很多异曲同工之妙，比如原著弄人嘲讽李尔王，用的是“鸠占鹊巢”的典故，说那两个大女儿肯定会谋害李尔王，而电影里狂阿弥嘲讽秀虎，说的故事是小鸟孵化了蛇蛋，蛇长大了必然吃掉小鸟。
太郎和次郎攻击父亲秀虎的战争场面，是整部影片里最为残酷的片段，但这里使用了来自默片时代的表现方法，隐去了现场音，配了一段凄凉婉转的音乐，造成一种“音画对立”的效果。让观众冷眼旁观而不是融入其中，或许更能感触到，从古到今这种骨肉至亲之间的残害，并不少见。
中国典故“停尸不顾，束甲相攻”，说就是春秋五霸之一的齐桓公死后，尸体还没有装入棺材，五个儿子就开始相互攻击争夺王位了。有儿子在齐桓公尸体旁边哭泣，另外一个冲进来射箭，儿子只好拉起父亲的尸体做挡箭牌。后来齐桓公在床上躺了67天，无人收尸，蛆虫都从窗户里爬出来了。
原著《李尔王》据说是改编自8世纪的古老传说，那么也可能是真有其事。8世纪正是中国唐代，最为著名的当属“玄武门之变”，李世民杀了两个兄弟夺了皇位，后来因为贞观之治，唐太宗并未被后人过多谴责。
明代朱元璋传位给孙子建文帝，他儿子燕王朱棣造反，夺了侄儿的皇位迁都北京，才有了北京城的繁华。那么到了清代，康熙的儿子们闹得最是欢腾，四爷雍正可是中国电视剧里最忙的人。
历史总是惊人的像似，人类总是在走古人走过的老路，但还是会迷路。
原著名言：“疯子带瞎子走路，就是这个时代的病态。”
这话超越了时代，至今适用于全世界。
末夫人带着他那盲眼的弟弟鹤丸逃亡，逃了半天还是无处可去，只能在父亲已经被烧毁的老城废墟里徘徊，恰巧在这里碰上了已经落了难的杀父仇人秀虎。这是对秀虎的再次摧残，让已经疯癫的秀虎以为这就是人间地狱。
片尾主要人物死得干干净净，唯独盲眼的鹤丸，一个人伫立在孤城废墟上，跌落了手上的佛像。
黑泽明大师晚年对人性看得极为透彻，人类历史就是一部治乱交替的历史，过不了几天好日子，乱七八糟的事必然就来了。
冯小刚的《夜宴》在主流平台评分很低，比如某瓣只有5.9分，一个不及格的分数，但梳理冯小刚电影，《夜宴》一定不能忽略，而且它多少也还有一些优点。
《夜宴》是冯小刚的转型之作，可以说是冯小刚电影里，影像最为精美的一部，镜头拍出了张艺谋的感觉，影像色彩、灯光道具、服装造型等等，后来成为各种宫廷剧竞相模仿的范本。
先不管故事的逻辑，把一场一场的戏单独拿出来看都是很棒的，第一次看的时候，从开头的《越女歌》到羽林卫刺杀太子，让壹戈大为欢喜，文戏武戏都非常精彩。毕竟有谭盾的音乐，有八爷袁和平的武术指导，演员阵容更是强大，代表了中国电影圈当年的演技巅峰和颜值巅峰。
但看到后面就不是那么回事了。
我们先梳理一下这个故事。
这部电影的主角其实是婉儿，她才是一切问题的根源。婉儿是一个很有野心，很有权力欲望的人。谋杀先帝或许是期望无鸾继位，但被厉帝掌握了先机，她随即委屈求全，暂时稳住厉帝，保住自己和太子的性命。
无鸾回来之后，婉儿多次暗示他，要担起责任，意思是让他除掉叔父，夺回本该属于自己的皇位。太子无鸾三年前逃往吴越，本身就是一个不负责任的行为，但他就是那么个忧郁的气质，这是人物的设定，没什么好质疑的，原著哈姆雷特其实也是这么设定的。
正是由于无鸾的犹豫不决，婉儿才转而和鹰隼密谋，毒杀厉帝自己登基做女皇。
周迅扮演的青女是本片的亮点人物，所有人都利欲熏心尔虞我诈，唯独这个青女单纯如雪。殷太常说他这个女儿什么都不懂，其实未必，给了无鸾那幅帛画的只能是青女。
她什么都知道，但就是坚守自己的原则，为爱情忠贞不渝。
《越人歌》就是青女的最好写照，山有木兮木有枝，心悦君兮君不知。
厉帝死前所说，百般算计不如一颗单纯的心，就是对比婉儿和青女。
这几个名字起得好，鸾是传说中的神鸟，见鸾鸟则天下太平，无鸾的意思就是天下不太平。鼎盛的唐王朝崩塌之后，五代十国确实是一个相当混乱的时期。
青鸟是神话传说中王母娘娘的信使，李商隐有诗句，此去蓬山无多路，青鸟殷勤为探看。
青女正好姓殷名青，绝对不是巧合。
那么对于婉儿的定位呢？
厉帝在看婉儿试穿皇后礼服时说，宁不知倾城与倾国，佳人难再得。
这是古代文本里面，对女人魅力的最高赞赏。
张艺谋的《十面埋伏》里，章子怡唱的就是这首《佳人曲》。
陈凯歌的《无极》也用了这个典故，主角名字就叫倾城，但陈凯歌是一种反讽的手法。
倾城站在皇城墙上说，有谁想看看我斗篷下穿的什么吗？那就放下兵器。你们还有谁想看看，我这件衣服底下穿的是什么吗？那就拿起你们的兵器,对准他（王）。这可能是对“一顾倾人城，再顾倾人国”，最直白的演绎。
前面这些算是编剧和台词里比较好的部分，那么《夜宴》的口碑败在什么地方呢，还是剧本和台词。
很难想象改编自莎士比亚最经典的戏剧，剧本却成了硬伤。
中国几千年的历史长河里，权力和欲望造成的宫廷悲剧数不胜数，改编《哈姆雷特》的故事框架并没有问题，但人物动机和行事作风以及语言风格等等，必须要符合中国的习惯。
纵观中国历史，没有哪一次权力更替，是由一个忧郁的王子拿一把剑完成的，都是各方势力角逐的结果。
比如说，幽州节度使裴洪，既然要拥护太子，就不可能单枪匹马在皇宫里当面顶撞厉帝，那不是找死吗？正常的操作不是应该先找到太子无鸾，然后联合各方诸侯兴师问罪吗？
再比如，太子无鸾潜回京城幽会青女，青女可不是普通人家或者青楼妓女，而是三朝元老殷太常家的大小姐。潜逃的太子回到东宫，殷太常能假装不知道吗？要投靠厉帝就该抓了太子邀功请赏，要反叛厉帝就该隐藏太子暗中谋划，就算保持中立，也要想办法把这个瘟神给送走，总之不可能对太子和青女幽会视而不见。
总体来说，剧本的改编太过于偏向舞台剧，将权力和欲望的争夺简单化了，一把剑代表一方势力，一瓶毒药代表阴谋诡计，舞台剧可以，但电影不行。
最终给人的感觉就是，故事不可信，人物立不住。
有些台词就更加诡异。比如“一舞剑器动四方”，出自杜甫写公孙大娘的诗句。“昔有佳人公孙氏，一舞剑器动四方。观者如山色沮丧，天地为之久低昂”。
太子说的是“一舞剑器动四方，表演确是我所长”，怎么听都觉得别扭。
特别是葛优的台词，一开口影院就笑场，笑完又觉得不应该，因为他是自杀之前哭着说的，并不想搞笑啊。
虽然葛优的表演绝对没问题，可我觉得就不应该请他老人家来演厉帝这个角色，只有一种可能，当年的葛大爷几乎就是票房的保证。
虽然《夜宴》成了冯小刚电影口碑的滑铁卢，但票房并不低，国内票房1.3亿，2006年总票房排名第二。第一名是张艺谋的《满城尽带黄金甲》，票房接近3亿，故事框架改编自经典戏剧《雷雨》，但在某瓣的评分更低，只有5.8分。
同年贾樟柯的《三峡好人》，获得威尼斯电影节金狮奖，某瓣评分8.3分，但在国内的票房却只有区区200万。这种巨大的差异从某种程度上和商业宣传有关，但主要还是体现了观众的观影趣向，关注苦难现实的题材，人们并不感兴趣，娱乐大片显然更有吸引力。
人们进电影院看大片，看完了骂，骂完了接着看，小成本的独立电影，很多人根本不知道。这显然是资本的胜利，电影完全成了赚钱的生意。
人们常说，一千个人中就有一千个哈姆雷特，可资本很清楚，一千个人里面真正读过《哈姆雷特》的没几个，搞艺术就是死路一条，所以台词可能会故意通俗化。
既然是生意，就要讲求效率，也不可能让你几年打磨一个剧本。
我们前面提到了《无极》，我感觉是对这个时代过渡物质化的嘲讽，是对那些【大将军】和【官二代】的嘲讽，但奇怪的是，《无极》和陈凯歌反而被无情嘲讽了。
电影爱好者大约都知道，张艺谋的大片之路就是受了黑泽明的影响，《英雄》的色彩应用和战争场面的调度，很多都是借鉴了黑泽明的《乱》，美术风格一脉相承，包括后来的《十面埋伏》，这几部电影的服装设计都是同一个人——和田恵美。
鉴于前面所说的原因，有很多人看国师的电影，认为根本不是中国的风格，确实是很多美术风格来自日本。
那么话又说回来，黑泽明电影和张艺谋电影拿到欧美市场，别人还是可以清晰的看出来差别，说明张艺谋包装的当然还是中国文化。
日本文化受中国唐朝影响较大，建筑和美术风格还保留了唐文化的影子。而我们中国反而因为历代的战乱，和近现代的全盘西化，丢掉了很多传统文化的精髓，以至于很多人觉得中国古代的东西都有点像日本，这就是个悲剧。
就电影来说，个人认为国师张艺谋的几部大片，在形式美学上应该是超越了大师黑泽明，毕竟时代在进步，影视技术有了长足的发展。但就剧本打磨上来说，距离黑泽明恐怕还有不小的差距，好在张艺谋仍然还是一位高产的导演，他还有进步的空间。
黑泽明的《乱》也是75岁才拍。
我们现在都觉得黑泽明厉害，可是在当时的日本，黑泽明并不受待见，被日本民众批评为【为了在西方获奖揭国家的短】，是不是很熟悉的感觉。
黑泽明61岁时因为票房失利无戏可拍，在家里自杀，幸好被救过来了。
然后在日本没法混了，跑到苏联去拍片，帮苏联拿了个奥斯卡最佳外语片奖，是不是很讽刺。
80年的《影子武士》，是两个美国超级粉丝给他筹钱拍的，就是《教父》的导演科波拉和《星球大战》的导演乔治·卢卡斯。
包括现在被奉为神作的《乱》，当年在日本还是被喷。有个未经证实的传闻，说《乱》在日本上映时，有观众在影院破口大骂，然后有黑泽明的影迷跳起来揍他。
这个，很有意思。
